Hacer visible lo invisible

Una mágica manera de hacer visible lo invisible del ser humano

Una intervención creativa sobre placas radiográficas en desuso

Iniciativa

Hacer visible lo invisible

Una colección de obras de arte realizadas a partir de la intervención creativa sobre placas radiográficas en desuso. Pensamos que, desde lo simbólico, el material radiográfico representa, en el inconsciente colectivo, una mágica manera de hacer visible lo invisible del ser humano.

Artistas convocados

Los artistas convocados son: Claudia Aranovich, Norma D'Ippolito, Febe Defelipe, Alberto "Bastón" Díaz, Jorge Diciervo, Juan Doffo, Hernán Dompé, Gerardo Feldstein, Genoveva Fernández, Pájaro Gomez, Leonardo Gotleyb, Antonia Guzmán, Nora Iniesta, Jorge Meijide, Alberto Morales, Adolfo Nigro, Luis Niveiro, Ernesto Pesce, Fidel Sclavo, Luis Wells
Adolfo Nigro

Adolfo Nigro

La placa radiográfica, que siempre se usó ceñida dentro de un chasis metálico, alcanza la máxima libertad al estar suspendida de un soporte y mecerse con el impulso del viento. El movimiento generado ofrece volúmenes virtuales y crea nuevas formas más allá de las primitivamente diseñadas. El artista busca también oponer lo oscuro y opaco de la película contra lo luminoso y claro del maderamen de sostén. Las formas colgantes se convierten entonces en una suerte de fauna acuícola fantástica que, por haber nacido su autor en Rosario y haber vivido en Montevideo y en Buenos Aires, confirma que esta creación solo pudo haberse originado en un territorio cercano a las aguas del Río de la Plata.

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Alberto Díaz

Alberto Díaz

Con muy pocos elementos, Alberto “Bastón” Díaz construye un objeto donde se une la historia de varias generaciones en nuestro país. Desde los inmigrantes que, desplazados por la hambruna, se alejaban de su pueblo originario subidos a los barcos hasta los juegos infantiles en el agua que, por medio de botes de papel, unían a los niños en las plazas del barrio. La ilusión de ir y volver, su idea de fragilidad, se corporizan en la obra a través del blanco de fondo y de la suavidad de la madera. La transparencia de la placa radiográfica acompaña el vértigo de sobrevida que provee el material en su ilusión de ver más allá.

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Alberto Morales

Alberto Morales

Un viaje a la Antártida para pintar y fotografiar su magnificencia dejó en Alberto Morales una impronta psíquica imborrable; ahora su intención es radiografiar plásticamente un glaciar. La obra deja ver todo su proceso creador al permitir rastrear su estructura: desde la descarga rápida que provocan los grandes planos hasta la detención obsesiva para conseguir el ajuste final. Todo está dado por la placa radiográfica, que manejó de manera inesperada, casi con las cualidades del óleo: proponiendo veladuras y dejando actuar transparencias. Morales sabe que en el continente antártico no hay “hombre originario”, ni línea recta, ni colores puros, por lo que da un testimonio sensible, de temblor humano ante lo excelso, con solo una paleta RX de blanco, negro, gris y, para el glaciar, el velado azul.

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Antonia Guzmán

Antonia Guzmán

La imagen de Antonia Guzmán surge del propio hacer sobre el soporte, dejando actuar libremente el instante creativo en una continua sucesión. La caída acuosa del color sobre la placa lo cubre todo rápidamente, y busca alejarse del silencio que provoca la nada inicial. Trabaja con la intensidad de los tonos puros evitando que se ensucien, dejando que operen de manera superpuesta por transparencia, capa sobre capa. “Juro que no te vi caer en tu vuelo roto por esta sed…” es uno de los versos que acompañan la imagen. Los dos pájaros están allí sin distracciones superfluas, como símbolo de espiritualidad. El vuelo proviene de una fuerte luminosidad que podemos asociar con la energía del sol. Las direcciones opuestas que eligen las aves acentúan caminos de libertad. Para Gastón Bachelard, la presencia del color azul en el cuerpo de un pájaro alude a la “producción de un movimiento aéreo”. Por su batir rápido y fugaz, los pájaros pueden representar también una múltiple asociación de la rapidez de las ideas con su evanescencia. La placa radiográfica dejó atrás su carácter opaco y sombrío, y se coloreó para su proyección fantástica.

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Claudia Aranovich

Claudia Aranovich

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Ernesto Pesce

Ernesto Pesce

Es un observador del cielo que indaga de manera imaginaria sobre lo que en él quedó registrado de lo que una vez amó. El azul claro puede ser el velo que esconde un rostro y el oscuro, la vestimenta con que la va a cubrir. Crea un mapa imaginario que indica el tránsito de seres desplazados hacia una nueva morada. La posibilidad de trabajar sobre soporte radiográfico exacerbó su proceso creativo ya que, al provenir del campo de la gráfica, la transparencia del material le permitió alcanzar una cosmovisión de opuestos entre los principios eternos del bien (la luz) y el mal (la oscuridad).

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Febe Defelipe

Febe Defelipe

La femeneidad de Febe Defelipe no acepta momentos melancólicos. Gracias a su visión del mundo, a su necesidad de vivir a borbotones, convirtió la seriedad del concepto radiológico en un prototipo “Chanel”. Con un diseño sencillo y cómodo, superó la rigidez de la placa cortándola en múltiples partes, para poder acompañar un imaginario movimiento. Así es siempre la obra de Febe, libre y espontánea, fresca, alejada del gris y de la opacidad. También intervino el maniquí, para alejarlo de la imagen de alma homúncula que siempre le otorgó la mentalidad mágica primitiva. Para ello desplegó la característica principal de su lenguaje plástico: la revalorización del diseño artesanal de la guarda pampa, no para hacer folklorismo, sino para dotarla de una visión diversa y ciudadana, que denominó “aborigen pop”.

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Fidel Sclavo

Fidel Sclavo

Fidel Sclavo promueve siempre una mirada íntima sobre su obra. Trabajando como un orfebre, sus manos abren ventanas para ver. Se trata de una apertura a mundos inéditos y diferentes que, lejos de la velocidad de la calle y del mercantilismo competitivo, parecen querer decir: “¡Mira bien lo que hay dentro, lo pequeño también es hermoso!”. Igual que el artista Mark Rothko, Fidel podría decir: “Solo estoy interesado en las expresiones básicas humanas: tragedia, éxtasis y destino. Si solo te mueves por las relaciones entre los colores, entonces no captarás la idea”.

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Genoveva Fernández

Genoveva Fernández

Genoveva Fernández desarrolla una imagen fragmentada en la que cada una de las partes se une al valor en el todo. La repetición del formato y la constante presencia del color generan interrogantes en un espectador de mirada curiosa y de estímulo reflexivo. El símbolo de la paz se alejó de la sencillez de un diseño hippie para convertirse en una alegoría donde se dan cita la vida y la muerte. La alusión a la sangre y a la oscuridad se propone como esbozo de este mundo. La sucesión de elementos simples y regulares bosquejados a mano alzada permiten que el signo adquiera una visión compleja y sorprendente. Los puntos decorativos, nacidos quizás de la memoria de una trama textil, promueven la unidad que atrae como característica plástica.

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Gerardo Feldstein

Gerardo Feldstein

Gerardo Feldstein desarrolla una mano de mago cuando interviene figuras con diferentes materiales. Esta vez la placa radiográfica lo ubica como un cirujano que crea una nueva piel. El esbozo de una sonrisa detrás de la máscara confirma la aceptación de la nueva dermis como oportunidad para vivir una nueva identidad desde la ficción. La luz que resbala sobre el material resalta el nacimiento de un personaje que parece provenir de un tiempo remoto. Un eternauta al que la inmortalidad le craqueló su rostro.

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Hernan Dompe

Hernan Dompe

Las barcas de Hernán Dompé siempre sorprenden por la laboriosidad de su hacer y por la comunicación de su proyección sensible. Están diseñadas con la sencillez de un niño que intenta jugar en la laguna y están construidas, con la solidez de quien se prepara para superar inclementes tormentas en el Río de la Plata. Esta fortaleza imaginaria entre barca y cuerpo confirma la asociación simbólica que propone Bachelard, cuando cita, por medio de referencias literarias, la barca como un símbolo representativo de la cuna recobrada. La sucesión de clavos que sujetan las placas y recorren el objeto en toda su extensión lucen como diamantes sencillos. La sucesión de su brillo remite a lo que en su momento poseyó vida, atravesó tempestades, y es el deseo de todos que vuelva a nacer.

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Jorge Diciervo

Jorge Diciervo

Jorge Diciervo es un creador de formas mórbidas que se distribuyen sobre la superficie de manera aparentemente arbitraria, pero siempre dotadas de una gran sensualidad. Ubicadas dentro del chasis radiográfico, contrasta la rigidez industrial de su contorno con la flacidez orgánica de su interior. Esta estructura compositiva está generada por la propia forma de ser del artista, “tranquila y reflexiva”, y crea un dinamismo íntimo que lo sitúa como un artista que está a mitad de camino entre la imagen constructiva y el surrealismo. Diciervo alcanza una proyección poética sin límites al emplear un lenguaje abstracto-orgánico que no deja marcas subjetivas a su paso, como si el azar hubiera dispuesto las formas nuevamente en la tierra, después de haber sido arrojadas contra el cielo.

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Jorge Meijide

Jorge Meijide

Trabaja a partir de la asociación libre, inspirada siempre sobre documentos de la realidad. Si bien antes disociaba el arte del humor, resolviendo uno mediante la elaboración académica y el otro con un dibujo rápido, hoy día rompió ese prejuicio. La obra en su totalidad nace de lo visceral, no del arte solemne. Para CDR intervino la placa radiográfica con monocopia y, sobre cada una de estas aplicó un dibujo independiente. Esta amplitud alude a la diversidad contemporánea en que vivimos y remite en esencia al respeto por las individualidades humanas. Sostenida por broches, la presentación de las placas sugiere el momento de secado, simulando estar en el tender del laboratorio para orearse, antes de ser entregada a los pacientes.

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Juan Doffo

Juan Doffo

Juan Doffo es un artista que invita a meditar en su obra sobre el misterio de la vida. Por eso, ante la presencia de la placa radiográfica, es natural que disponga ubicar una corona de fuego en el plano inferior de la obra . Es su predisposición a prolongar la vida con buena salud dotando de calor al cuerpo. El fuego es para Doffo un agente de transformación como lo fue para Heráclito; las cosas nacen del fuego y allí vuelven, y es por intermedio de la libido que las vidas se reproducen por fuego afectivo. La oscuridad de la placa también necesita del fuego ya que, al igual que en la ciencia médica, la que vence a la oscuridad y a la ignorancia es la luz asociada al saber. La trama de huesos es la urdimbre en la arboleda. La obra teje una historia de contención y soporte como se da en la vida. De allí la presencia de la plomada, la cual simboliza la necesidad de encontrar un equilibrio que todos buscamos.

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Leonardo Gotleyb

Leonardo Gotleyb

Leonardo Gotleyb es un artista que proviene del campo del grabado de incisión, especialmente la xilografía, una manera milenaria de tallar la madera. Como buen chaqueño, no solo tiene al quebracho en su pensamiento, sino también al yacaré overo, un pariente del cocodrilo al cual está asociado por su agresividad y poder destructor. Este concepto proviene del antiguo Egipto cuando se lo adoraba como símbolo de la furia y de la maldad. El artista cambió la dermis revestida de escudos impermeables por placas radiográficas. La fortaleza impenetrable que representaba cedió ante el traslucimiento de su contorno; como siguiendo el mandamiento divino, el artista da la posibilidad de ver al profeta Jonás viviendo en el vientre de un gran pez. La interioridad es ahora un espacio humano que se redime a partir de la imaginación.

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Luis Niveiro

Luis Niveiro

Niveiro construye una caja de poesía que contiene lágrimas detenidas para ser miradas como metáfora de sentimientos. Pueden provenir de cualquier cosa, pero solo en pequeña cantidad: una felicidad conseguida a cuentagotas, o el sudor provocado por un encuentro amoroso en suspensión. La iluminación proveniente del arriba-abajo es pareja y trasluce la idea de lluvia menuda o punto de rocío en detención. Estas aproximaciones son un permiso para interpretar libremente la obra y, quizás, alcanzar el sentimiento del artista. La imaginación se estimula con lo que ve y se deja llevar, se deja ir al religarse con la propia historia de vida del contemplador.

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Luis Wells

Luis Wells

La obra de Luis Wells puebla el patrimonio de los principales museos y colecciones del país. Como fundador del Movimiento Informalista a fines de los años cincuenta, valoró la aparición del azar en el acto creativo y mantuvo desde entonces el compromiso con la eventualidad y contingencia que debe tener una obra de arte desde su nacimiento. El objeto creado para CDR permite imaginar una confluencia de culturas. Puede ser pórtico de entrada en una civilización milenaria o una arcada triunfal en un distrito tecnológico. La presencia de la luz y la oscuridad definen su naturaleza imaginaria. El artista actuó como un demiurgo que permitió la unión de un tiempo universal.

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Nora Iniesta

Nora Iniesta

Con elementos disímiles y distantes entre sí, Nora Iniesta realizó una obra representativa del lenguaje conceptual. La idea de nacimiento y desarrollo están presentes si la abordamos tanto desde el arte como desde la naturaleza. El niño como símbolo de futuro lleva los ojos abiertos, bien despierto. La placa-planta en la maceta es símbolo de lo que tiene que crecer. Los elementos empleados se despegan de su funcionalidad industrial para aludir a la creación humana y fitológica de la potencia de la fecundidad.

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Norma D´lppolito

Norma D´lppolito

Es una artista devota de la fuerte tradición clásica escultórica. Visitar su taller es como entrar a una tradicional bottega renacentista. Si bien en sus trabajos no desecha los martillos neumáticos y todo otro avance tecnológico, sus herramientas predilectas son la gubia y el buril porque se golpean al ritmo del corazón, y no al de la energía eléctrica. El diálogo que propone entre la superficie tersa del mármol belga y la placa radiográfica proyecta múltiples posibilidades de imaginación en el contemplador. La obra alude a lo que se ve y a lo que no se deja ver. La solidez del mármol como pantalla impenetrable dialoga por oposición con la transparencia del vidrio y con la imagen radiográfica espectral. La entrada de luz a través del óculo dota a la pieza de un concepto abstracto neoplatónico, como mirar hacia la luz desde el fondo de la caverna. La placa radiográfica une la materia con el espacio.

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Pájaro Gomez

Pájaro Gomez

La escultura de Pájaro Gómez invita a mirar a través de esta, para buscar lo que está más allá, lo que no se puede ver a simple vista. En su imagen la abstracción señala una dirección o simboliza una fuente de energía, pero siempre la mirada va a estar estimulada por un espacio dinámico que contiene lo que no está visible pero existe, como en la vida. La obra realizada especialmente para CDR provoca un dialogo entre lo lleno y lo vacío, lo opaco y lo transparente. Su silueta se yergue como una mater dei de la tecnología, a la cual los técnicos radiólogos le agradecen por haber intercedido para que el médico acceda al conocimiento y pueda ver más allá.

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